viernes, enero 07, 2011

Oasis - Heathen Chemistry (2002)

Oasis - Heathen Chemistry (2002)

9-


La mayor parte de las veces, conocer el contexto en el que una banda graba un álbum da al oyente una mejor perspectiva de éste. Repasemos la situación: A un par de álbumes que los encumbraron a lo más alto del panorama musical, le siguieron un fracaso en críticas como Be Here Now y un ignorado Standing on the Shoulder of Giants. Seamos sinceros: Después de estar en lo más alto (y Oasis lo estuvo más que nadie a finales de los 90), el 99% de las bandas se hubieran disuelto tras llegar a esta triste situación. Probablemente, hoy en día se le reconocerían 3 álbumes muy buenos y se consideraría Standing on the Shoulder of Giants como una reverenda cagada. Reconozcamos que tampoco ayudaba mucho a la situación el abandono de dos de los miembros fundadores, Bonehead y Guigsy, al poco de grabar el álbum, dejando a los Gallagher más colgados que los cojones de un anciano (Noel, enfurecido, regrabaría sus partes). Pero si de algo han ido sobrados los Gallagher durante toda su vida ha sido de ACTITUD. Y la tenían de sobra como para reclutar a dos buenos instrumentistas, Andy Bell y Gem Archer, promocionar el irregular nuevo álbum, comenzar a conjuntarse como banda con un montón de bolos y, con un par de huevos, volver a entrar al estudio de grabación.

Y esta actitud que les valió para ponerse el mundo por montera les permitió, en esos tiempos inciertos, sacudirse cualquier viejo complejo y grabar lo que les apetecía sin rendir cuentas a nadie. Y el resultado difícilmente pudo ser mejor. La incorporación de Archer y Bell resultó ser beneficiosa, y logra que Heathen Chemistry tenga el sonido más fresco de entre todos los álbumes de Oasis. Los medio-tiempos siguen siendo sostenidos por arreglos orquestales, pero éstos no ocupan toda la canción. Los rockers siguen acompañados por varias guitarras, pero no están todas sonando todo el tiempo. Los arreglos psicodélicos y sutiles (para lo que es Oasis), permanecen desde el anterior álbum y son una de las claves del nuevo sonido.

Incluso, tras la poco prometedora "Little James", Liam tiene las tremendas pelotas (ya sabéis, le sobra actitud) de incluir 3 canciones suyas en Heathen Chemistry. "Songbird" fue, incluso, lanzada como single. Cuando uno compara la demo de la versión final, se da cuenta de lo cuidado que está el sonido del álbum, y algo sencillo que podría haber sido una canción de relleno pasa a tener un encanto especial por la belleza de su piano y sus mellotrones. "Born On A Different Cloud" no tiene una melodía muy memorable, ni siquiera en su intermedio a lo Kinks, pero tiene a su favor una atmósfera diferente y el solo del mismísimo Johnny Marr. Pero lo mejor se queda para el final, porque "Better Man", pese a su horrible letra, tiene el groove más poderoso que Oasis había hecho nunca, gracias al perfecto ensamble de guitarras y bajo (y teclados). Un gran avance del menor de los Gallagher. Para una nueva muestra de la actitud de Liam, podríamos fijarnos en cómo literalmente se desgañita; su voz, tan personal como siempre, esta vez está al límite.

Oasis, 2002Como por ejemplo en el primer single: "The Hindu Times". Después de "D'You Know What I Mean?" y "Go Let it Out", por fin se atreven a empezar con una canción típica de Oasis, una declaración de intenciones, con un riff sencillo pero directo. Para mí, el gran clásico de Oasis desde entonces y para siempre. Hasta la vista, "Wonderwall". Noel se queda con tres canciones para él solo: "She Is Love", una irresistible canción acústica; "Force of Nature", que recuerda a las demos de SOTSOG pero agregándole mucha más fuerza; y la balada "Little by Little". Además, ofrece otros dos temas a Liam que remiten al Oasis más clásico y con resultado dispar: "(Probably) All in the Mind", con su riff a lo "Taxman", tiene justificadas todas y cada una de las guitarras que aparecen y acaba siendo muy disfrutable; y la asquerosamente vomitiva "Stop Crying Your Heart Out", un rejunte-pastiche de varias baladas anteriores: "Stand by Me", "All Around The World" y hasta ¡"Strong" de Robbie Williams! Imperdonable. Los nuevos quieren, además, algunos royalties y aportan dos temas tremendamente resaltados por su instrumentación: "Hung in a Bad Place" y el instrumental "A Quick Peep".

En resumen, Heathen Chemistry es el final de Oasis como los conocíamos y, sin embargo, aún podemos reconocer al Oasis clásico: este especial momento de su camino es para mí el más interesante de todos y el resultado, aunque no lo parezca a simple vista, es irrepetible. Discazo.

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viernes, junio 01, 2007

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)


9+


"Suposa un canvi radical en la manera d'enregistrar i, sobretot, arranjar, un disc; "Sgt. Pepper's" significava la creació d'infinites possibilitats expressives i el descobriment de noves formes de realització tècniques." (Pere Ferrando)

A pesar de que, para este blog, mi idea era presentar los discos de un mismo grupo cronológicamente; me tomo la licencia de cambiar de idea debido a la efeméride que se celebra hoy. No es una cualquiera: Hoy se cumplen 40 años del lanzamiento del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De pocos álbumes se ha hablado más que de éste, por lo que esta revisión va a estar llena de tópicos, se han dicho tantas cosas que difícilmente pueda añadir yo algo más. Eso sí, podéis estar seguros de que más del noventa por ciento de los halagos que recibe este álbum son rigurosamente ciertos y se comprueban tras pocas escuchas.

El primer tópico que os voy a soltar es que este disco fue una auténtica revolución en su época. El rock ya nunca sería igual, hay quien opina que murió con este disco y dio paso al nacimiento del pop-art, en este disco apenas hay nada de rock'n'roll primigenio. En lugar de eso, tenemos horas y horas de trabajo en estudio, de grabación, mezclas y remezclas; y una excepcional labor de George Martin en la producción y los ingenieros de sonido, encabezados por Geoff Emerick: todo el disco se grabó en 4 pistas.

Para entender la situación que llevó a los Beatles a grabar esta maravilla, hay que remontarse unos meses atrás, hasta agosto del 66. El día 5 salió Revolver, el álbum inmediatamente anterior al Sgt. Pepper's. Habían pasado casi 10 meses el 1 de junio, nunca los Beatles habían tardado tanto entre un disco y otro. Pero no fue esa la principal razón de que los Beatles pudieran pasarse más tiempo en el estudio de grabación. El día 29, los Beatles tocan por última vez en directo en San Francisco, y abandonan las cada vez más intensas y agotadoras giras que hacían desde que alcanzaron la fama. En la vuelta de aquel viaje, Paul pensó que sería genial volver a empezar de nuevo, otro nombre, otro grupo. Ahí nació el proyecto Sgt. Pepper's.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, con sus efectos de público, sería la presentación en sociedad de la nueva banda. Un tema con una batería contundente y una guitarra bastante sucia. Esta presentación es el tema más rock de todos (por momentos, y a pesar de las trompas francesas, suena a rock duro) y apenas deja entrever lo que viene después. Pero bueno, la versatilidad también es una característica de este álbum. With a Little Help from My Friends es un tema muy conocido, se han hecho muchísimas versiones, la más conocida de todas creo que es la de Joe Cocker. Como venía siendo característico, Ringo tiene su tema para que cante la voz principal. El título de Lucy in the Sky With Diamonds ha sido considerado unánimemente como una referencia al LSD en forma de acróstico. Sea cierto o no (Lennon siempre lo desmintió), lo cierto es que la letra y música tan surrealista colaboran para que así lo parezca. Además, no sería tan extraño, porque en aquella época los Beatles tomaban ácido habitualmente, lo cual fue determinante para el resultado final del álbum. Se nota la influencia de Lewis Carroll en Lennon, que siempre lo admiró. Getting Better es un tema pop a la vieja usanza, es la canción más beatle de todas, con su fantástico y pegadizo estribillo. Paradigmático que McCartney cante "A little better all the time" y Lennon conteste "It can't get more worse". El piano lo tocó George Martin, mientras que Harrison toca un instrumento hindú: la tamboura. Me encanta Fixing a Hole, con su intro de clavicordio y el sencillo pero excepcional solo de Harrison (como en él es habitual). "Fix" fue tomado como una alusión a las drogas, pero; según Paul, la canción se le ocurrió mientras arreglaba un agujero en el tejado de su granja. Fusión con música clásica en She's Leaving Home, desde la introducción del arpa hasta los arreglos de cuerdas que esta vez no son de George Martin sino de Mike Leander. De hecho, los Beatles no tocaron aquí. Sólo McCartney y Lennon aportan las estupendas voces y coros, la melodía suena muy nostálgica. La canción habla de una noticia que vieron en el periódico sobre una chica que se escapó de casa. En este álbum Lennon tomaba el tema de sus canciones de los periódicos, la televisión, los libros... Y en Being for the Benefit of Mr. Kite! de un viejo cartel del anuncio de un circo, que Lennon había comprado a un anticuario. Los escépticos sobre la calidad de esta canción pueden disfrutar con el ambiente circense que se respira en cada momento. La música del Sgt. Pepper's es notablemente descriptiva, gracias sobre todo a los trucos de estudio. En esta canción suena un armonio, un órgano y varias armónicas. Lennon toca el órgano Hammond. Pero para instrumentación inusual, la de Within You Without You, la canción india que Harrison compuso para el álbum. Además de los violines y chelos, músicos indios tocaron cosas como el swordmandel o la dilruba. Harrison empezaba entonces con sus letras metafísicas, y la onda relajante y marcadamente oriental de la canción le viene fenomenal. En el break intrumental suena otra vez la tamboura.

Y, de repente, cambio brusco de estilo. McCartney nos ofrece el music-hall When I'm Sixty-Four, y éste a lo mejor sí es el momento más flojo del álbum. Perdonado, en cambio, por la versatilidad que gana el disco con este tema. McCartney se preguntaba qué sería de él a los 64, y hace poco lo supo... Lo pilló en medio de un desagradable divorcio, más para él que para Heather Mills que se llevó un buen pellizco de su inmensa fortuna. Las guardias americanas de tráfico eran conocidas como "meter maids". Paul se dio cuenta de la musicalidad de Lovely Rita, "meter maid" y compuso la canción, que vuelve a hacer crecer la calidad del álbum. El piano de George Martin vuelve a hacernos viajar a tiempos pasados. Esta canción es la que se lleva la palma en cuanto a instrumentación extravagante: Lennon hizo ritmo frotando un peine con papel higiénico. La extraña (¡pero genial!) coda nos lleva a Good Morning Good Morning. La idea le vino a John, esta vez, viendo la televisión. Otra canción descriptiva, aunque queda un poco vulgar el coro de "Good morning, good morning" y los animales de la supuesta granja donde amanece. Opino que en esta ocasión hubiera sido mejor prescindir de esta parafernalia y de la sección de vientos e intentar hacer la canción más del estilo rock tradicional. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) es la versión pop del tema titular, donde se canta a 3 voces. Con este tema se supone que la banda se despide del público, pero cuando se acaba aparece la joya entre las joyas del álbum... En A Day in the Life Lennon vuelve a contar noticias de la radio o la televisión, con una voz etérea que consiguieron los ingenieros añadiéndole mucho eco (lo cual es tan fácil de hacer hoy en día como difícil en aquel entonces). Y como novedad instrumental, el mellotron. El break de Paul era una canción suelta que tenía sin terminar, pero encaja perfectamente en el conjunto. Tocaron 40 músicos en el crescendo final, en el cual tenían que tocar lo más cromáticamente posible hasta llegar a la nota más alta que pudieran que fuera del acorde de Mi mayor. Esto se superpuso 4 veces, por lo que da la impresión de que hay 160 instrumentos. Como curiosidad, los músicos afinando que se oyen al principio del álbum son estos mismos antes de grabar. El acorde final lo tocaron al piano George, John, Paul y Mal Evans, con George Martin tocando el armonio. La coda (completamente absurda y sin mensajes ocultos) se grabó en el surco interno del LP, por lo que en algunos tocadiscos este trozo sonaba sin parar.

Famosísima y muy imitada posteriormente ha sido la portada del álbum. Diseñada por Peter Blake; juntaba a escritores (Oscar Wilde, Lewis Carroll, Aldous Huxley, Edgar Allan Poe...), actores y actrices (Marlon Brando, Johnny Weismuller, Marilyn Monroe, Marlene Dietrich...), músicos (el ex-Beatle Stuart Sutcliffe, Bob Dylan...), gurús hindúes y otra gente famosa. Detalles como una diosa de la muerte o una muñeca con un jersey de "Welcome the Rolling Stones". A última hora se retiraron las imágenes de Hitler y de Jesucristo. Por primera vez, se imprimían las letras en la contraportada. Y en el interior, motivos psicodélicos y unos recortables que curiosamente también se incluían en la versión en CD que tengo en casa.

viernes, mayo 25, 2007

Índice de "Conglomerado Rock"

Conmemorando el primer aniversario de Conglomerado Rock, he creído conveniente crear un índice para encontrar más fácilmente los discos que he revisado. Lo haré en este blog. Hay un índice alfabético y otro por fechas.

viernes, marzo 23, 2007

Crosby, Stills, Nash & Young - Déjà Vu (1970)


9+


"Crosby parlava de revolució; Young de desesperança. Nash taral.lajeva; la guitarra de Young lladrava. El suc just per emborratxar el pastís." (Pere Ferrando)

A finales de los 60 hubo una serie de grupos formados por gente conocida de grupos anteriores, que por unas razones u otras, tras abandonar el grupo en el que alcanzaron la fama, se reunían en lo que se llamó supergrupo. Un ejemplo paradigmático sería el que protagonizaron los responsables del disco que voy a comentar hoy, cuyos cuatro nombres fueron utilizados para nombrar a la banda: Por una parte, se ahorraban pensar en un nombre; por otra, así la gente sabía quiénes formaban el "supergrupo".

Originalmente, el grupo estaba formado por David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash. Crosby fue miembro fundador de The Byrds, Stills procedía de Buffalo Springfield y el británico Graham Nash de The Hollies. Oyendo el resultado de su fabuloso primer álbum, llamado Crosby, Stills & Nash, no es extraño que los tres grupos tocasen folk-rock (aunque The Hollies tocaran más bien pop) ni que, en general, las armonías vocales fueran una de las características de estas bandas (sobre todo de los Byrds y los Hollies). Stephen Stills comentó alguna vez que tenía gran facilidad para las armonías, que le salían "de forma natural". Escuchando este disco, no podemos más que darle la razón.

Para el segundo álbum de CSN, alguien tuvo la brillante idea de invitar a Neil Young. Neil había sido compañero de Stephen Stills en Buffalo Springfield y era un guitarrista excepcional. Y le dio al álbum un toque especial y una fuerza de la que el primer álbum carecía. En cuanto a las canciones, estaban democráticamente repartidas: Dos de cada componente, más un tema a medias entre Stills y Young y la versión de Joni Mitchell de su tema Woodstock.

Carry On (Stills) es una de mis canciones favoritas, no ya de este álbum, sino de todos los tiempos. Una especie de suite psicodélica con dos partes diferenciadas, pero ambas con unas armonías inimitables, y el acompañamiento, de perfecto contrapunto a las voces, de los fraseos guitarreros de Young. La temática "hippie" del primer álbum sigue aquí en casi todas las canciones, como ejemplo el puente entre las dos partes de este tema: "Carry on, love is coming to us all". La segunda es la conocida Teach Your Children (Nash), una de las típicas canciones "hippie". Además de las guitarras de Nash y Stills, aparece la "pedal steel" de Jerry Garcia, de The Grateful Dead. Almost Cout My Hair (Crosby), grabada en directo, con las tres guitarras atacando a diestro y siniestro y Crosby cantando rabioso. Helpless (Young) es un tema acústico, es Stills el que toca la guitarra, tranquilo acompañamiento del tema. Woodstock es la segunda mejor canción, una canción que Joni Mitchell compuso dedicada al famoso festival, y donde vuelven las armonías a brillar y la guitarra de Neil Young a ofrecer el contrapunto ideal, con ataques medidos pero directos.

Déjà Vu (Crosby) es la siguiente canción. Las dos que compuso Crosby son extrañas, con diferentes melodías yendo y viniendo, alejadas de la simplicidad de los restantes temas. Sin embargo, además de ser canciones de gran calidad, encajan en el conjunto sin problema ninguno. John Sebastian (de The Lovin' Spoonful) toca la armónica. Our House (Nash) es una canción poppy acompañada de piano, las dos canciones de Nash en este álbum tienen el mismo estilo y temática. 4 + 20 (Stills) es un tema acústico donde toca él solo, irrepetible donde los haya, grandioso en su simplicidad, Stills demuestra que a veces para hacer grandes canciones basta con una guitarra. El listo quería guardársela para su primer álbum en solitario, pero Crosby y Nash lo convencieron para que lo publicara en Déjà Vu. Country Girl (Young) tiene los arreglos más complejos del disco, también es una especie de suites con diferentes temas que van y vienen. Suena muy nostálgica... quizá demasiado para que acabe así un disco hippie, así que el disco finaliza con Everybody I Love You (Stills, Young), otra de armonías y guitarras, menos interesante que las otras pero aún así un final como corresponde para este magnífico álbum.

viernes, febrero 16, 2007

miscelánea 1967: Jefferson Airplane, Love, Pink Floyd

1967 fue un año revolucionario en el mundo del rock, la aparición de la psicodelia, unida a la eclosión de lo hippy; LSD y flower-power; grupos folk y rock ácido californiano; el verano del amor. Esta selección de 3 álbumes, sin duda 3 de los mejores de aquel año, intenta mostrar una visión general de aquel año irrepetible. Que ustedes los disfruten.

Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow
9-



Tras la publicación de su primer álbum, Jefferson Airplane incorporó a la cantante Grace Slick. Aunque en Surrealistic Pillow su papel aún era secundario (como corista), aportó las dos mejores canciones del álbum, aparte de ser la cantante principal en ambas. Somebody To Love, con una interpretación excelente de Grace, ha acabado siendo el tema más conocido del grupo, uno de los imprescindibles del "verano del amor": su título es bastante explícito. Y White Rabbit, ejemplo perfecto del efecto del LSD en los artistas de la época, una interpretación muy personal del bolero de Ravel pero con una letra bien polémica: "Una píldora te engrandece y otra te hace más pequeño, las que te da tu madre no te hacen nada...". El resto del álbum no llega al nivel de estas composiciones, pero sigue siendo excelente; tanto los temas más "ácidos" como 3,5 of a Mile in 10 Seconds o She Has Funny Cars; como los "folkies": My Best Friend, Today, o la canción al estilo Mama's and the Papa's How Do You Feel.

Love - Forever Changes
9-



Aunque no mucha gente conozca al grupo Love, su obra Forever Changes es una de las más aclamadas por la crítica. No fue por el estilo de su música, folk-rock bañado en psicodelia (es decir, lo que hacían la mayoría de grupos en aquella época). Pero este álbum es uno de los pocos que consiguen obtener una especie de aura mágica que, en este caso, atrajo muchísimo más a los críticos que a las masas. Canción por canción el álbum no parece tan destacable, pero a veces el conjunto es más que la suma de las partes. En particular, los auténticamente INCREÍBLES arreglos de orquesta son los que le dan el toque de genio a este álbum. Las cuerdas son las que permiten que canciones como The Red Telephone, You Set The Scene o Andmoreagain tengan algo especial. Y las que hacen que Old Man quede como una obra maestra; lo mismo que pasa con los arreglos de trompeta en Alone Again Or y Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale. A pesar de ello, las canciones no tan orquestadas encajan perfectamente en este fabuloso puzzle que es Forever Changes: A House Is Not a Motel y The Daily Planet son dos ejemplos.

Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn
8+


El álbum debut de Pink Floyd, liderados entonces por Syd Barrett, es la primera gran obra de la psicodelia británica. Syd fue el gran responsable del sonido de este disco. Astronomy Domine, la primera canción, es el ejemplo perfecto de este sonido: experimental y tan loco como lo estaba Barrett, pero bastante accesible para lo que uno pudiera esperarse. Lucifer Sam presenta un tremendo riff psicodélico, para mí es la mejor del álbum. Hay quien se queja de que las canciones no tienen consistencia en sí mismas, sino que son meras excusas para la experimentación sónica de Syd y el resto del grupo. Tienen parte de razón, hay algunas canciones en que se nota. Sin embargo, en las primeras canciones del álbum esto no sucede. Tampoco en la siguiente: Matilda's Mother. Suena alocadamente psicodélica (qué solo de órgano), pero sin traje psicodélico seguiría siendo una buena canción. Con él, eso sí, es otra joya digna de este disco. Canciones oscuras, enigmáticas, surrealistas... hacen a este álbum original e irrepetible. Lástima que la locura de Syd (y su afición a las drogas) le impidiera seguir con un proyecto serio, por lo que el sonido de Pink Floyd derivó hacia otros derroteros. Pero de eso ya hablaremos otro día.

viernes, enero 12, 2007

Aztec Camera - High Land, Hard Rain (1983)



8+


"Una punyent i poètica col.lecció de composicions" (Pere Ferrando)

Roddy Frame formó Aztec Camera en 1981, cuando tenía 17 años. High Land, Hard Rain, un título con evidentes referencias a sus orígenes (eran escoceses) es la ópera prima del grupo y unánimemente se le considera el pico absoluto de la carrera de la banda. En plena década de los 80, Aztec Camera nos presenta un disco con una primera parte de canciones de pop luminoso (Oblivious, The Boy Wonders, Pillar To Post) o melancólico (The Bugle Sounds Again, We Could Send Letters) y una segunda parte de canciones acústicas.

Contrariamente a lo que estaba de moda por esa época (música disco, synth-pop), High Land, Hard Rain es un disco de pop muy fresco y con preponderancia absoluta de la guitarra acústica, lo cual también era extraño en 1983. Oblivious, la primera canción, es el ejemplo perfecto. Introducción fulgurante con la guitarra y la batería, y una estrofa que contrasta con el hermoso y absolutamente pegadizo estribillo. Esa estrofa, como tantos y tantos momentos de este álbum, consigue sonar alegre y saltarina por una parte, y melancólica y triste por otra... ¡a la vez! Es una de las cosas que más me fascina de High Land, Hard Rain. Ojo, por cierto, al solo acústico. The Boy Wonders es otro gran tema, con misterioso principio y sorpresivo final. El puente "We threw our hands up high / we nearly touched the sky" es oro puro. Como dice la letra, para casi tocar el cielo con las manos. Walk Out To Winter es la segunda canción más alegre, el ritmo y las voces femeninas en el coro ayudan bastante a ello. Aún así, no logra desprenderse del trasfondo nostálgico del disco. Nostalgia que no se disimula en The Bugle Sounds Again, que quizá peca de tener una melodía tan obvia. La cara A del vinilo original acababa con la fantástica We Could Send Letters, donde una intro un poco larga da paso a una estrofa y un puente que tienen un carácter muy melancólico. Tras esto, el estribillo suena cálidamente esperanzador. Temazo. Atención al break instrumental de minuto y medio, que inluye un devastador solo ideal para días lluviosos, que acaba con el puente y los golpes de batería a los 5'04''. Otro gancho interesante, este disco está repleto de ganchos.

Para el principio de la cara B se reservó el tema más pop de todos: Pillar To Post, y el estribillo más alegre: "Once I was happy in happy extremes...". La estrofa vuelve a dar un excelso contrapunto. Seguidamente llegan los temas acústicos: Release es el primero de ellos, una canción que empieza MUY diferente a cómo acaba. Ritmo lento, suaves rasgueos de la guitarra y una voz tímida comienzan el tema, sencillo solo de bajo (1'07''), la canción no acaba de animarse en la estrofa que empieza a los 2', sino que acaba con el mismo break de bajo. Y a partir de los 2'52'', se comienza a acelerar el tempo, el órgano entra a los 3'05'' hasta que se hace el protagonista. Pero a mi juicio, el tema más interesante de esta cara B es Lost Outside The Tunnel, las melodías de la estrofa y del estribillo me parecen arrebatadoramente melancólicas (más de lo habitual), la letra acompaña: la del estribillo ("I'm lost here by myself...") pero sobre todo la de la segunda estrofa ("I get up to get back down..."). Bastante menos destacables son los dos últimos temas del álbum: Back On Board y Down The Dip, aunque esta última suena realmente esperanzadora en su (demasiado) sencilla melodía. En la edición digital se añadieron tres caras B, que por algo son caras B y que no voy a comentar no sea que le baje la nota a este disco. No se lo merecería.

viernes, diciembre 08, 2006

The Beach Boys - Pet Sounds (1966)


9-


"Per primera vegada un disc de rock és ornat de luxe i barroquisme, de setí i exquisitesa" (Pere Ferrando)

Cuando, en abril de 1966, los Beach Boys finalizaron la grabación del álbum, eran ya unos veteranos en el negocio de la música. Tenían a sus espaldas más de diez álbumes e infinidad de sencillos que, con su estilo pop-surf y sus increíbles armonías, les habían llevado a la fama. Sin embargo, Pet Sounds es un paso gigantesco en su carrera. Brian Wilson, con apenas 25 años, asumió el riesgo de dejar atrás del pop de playa para sustituirlo por el pop de cámara: Una cuidadosa elaboración de la música en composición, producción y arreglos. Tiempo interminable dentro del estudio grabando y regrabando, mezclando y remezclando... Y no precisamente para tapar ninguna carencia (como tanta gente ha hecho después) o para aparentar; sino para ofrecer un producto perfecto de principio a fin, y es que Wilson fue claramente influenciado por el álbum beatle Rubber Soul, que le sirvió de inspiración.

Aparte de las voces de los Beach Boys, ofreciendo todo tipo de armonías vocales insuperables, de toda tesitura posible; la canción tiene una variedad instrumental inédita para aquella época: violines y similares, órgano, harpsichord, ukelele, oboe, flautas... Después de este disco, el pop ya no sería igual. A finales de los 60, multitud de grupos se sumarían al pop con instrumentación clásica. Algunos de ellos aparecerán por esta web. Pero, de momento, hay que hablar de Pet Sounds.

Wouldn't It Be Nice tiene una melodía genial; los coros de los Beach Boys, en su máximo apogeo (ba ba-ba ba-ba-ba's, round-round-ii's, uhh's...). You Still Believe In Me es música coral, casi un himno religioso. God Only Knows inspiró al mismo Paul McCartney, que compuso Here, There and Everywhere. Sloop John B. es una canción tradicional que Wilson adaptó y que los Beach Boys hicieron propia, con sus voces auténticamente memorables. Hay más joyas: Caroline No, canción delicada con quizá la mejor melodía del álbum... que ya es decir, teniendo cosas como I'm Waiting for the Day o Don't Talk (Put Your Head On My Shoulder).

La discográfica no estaba segura del sonido del álbum, rompía demasiado con lo anterior y no sabían si vendería igual. Pero Brian Wilson se salió con la suya; y el álbum, que se publicó tal y como estaba planeado, abrió las puertas del éxito de los Beach Boys en Europa, tuvo un éxito total de crítica y se sigue vendiendo hoy en día... Sin ir más lejos, yo me lo compré hace 3 ó 4 años.

Después de este álbum, Brian Wilson pretendía seguir con una obra aún más ambiciosa que se iba a titular Smile. El single que iba a servir para presentarlo fue Good Vibrations, cuya grabación costó más de 50.000 $ y duró casi medio año, triunfó; pero los problemas personales de Brian Wilson le impidieron finalizar el álbum. Al final, tras casi 40 años, lo hizo en 2004.

viernes, noviembre 10, 2006

The Who - The Who Sings My Generation (1965)


8+


"L'enregistrament combina la força intempestuosa del r&b amb típics elements del pop" (Pere Ferrando)

En Inglaterra (especialmente en Londres) a principios de los 60, surgió un movimiento juvenil cuyos miembros se llamaban "mods". Hedonistas, inconformistas y dispuestos a romper con el pasado y cambiar la sociedad en que vivían. En medio del "swinging London" había cuatro tipos que querían hacerse escuchar y que iban a convertirse en los abanderados del movimiento mod. Casualmente los Who no eran mods, dicen que fue su primer mánager quien los convirtió en mods porque éstos eran los jóvenes que compraban más discos. De todas formas, el narigudo Pete Townshend (sí, con 'h'), guitarrista y principal compositor del grupo, conectó con su música y sobre todo con sus letras con los mods: el mejor ejemplo es la ya famosa frase de My Generation "I hope I die before get old". Curiosamente, tanto el creador de la frase como el intérprete (el cantante Roger Daltrey) siguen vivos a día de hoy, mientras que los otros dos miembros del grupo sí que han muerto. Debe ser lo que llaman humor negro.


Otra característica destacable de los Who eran sus demoledores directos. Otro viernes comentaré el fenomenal Live At Leeds, considerado por la crítica especializada el mejor álbum en directo de la historia. Pete Townshend, con su original "molinillo", creó un estilo tocando la guitarra ferozmente. Keith Moon también creó estilo por su forma de tocar la batería, auténticamente salvaje. Roger Daltrey aportaba su voz potente y sus "lanzamientos de micro", que posteriormente atrapaba estirando del cable. El bajista John Entwistle era el único que no se movía. Como dijo en una entrevista posterior, "veía a Roger gritando y lanzando el micro, a Keith moverse como un loco aporreando la batería, a Pete girando el brazo y saltando... y pensé que lo mejor que podía hacer era quedarme quieto". Por si esto fuera poco, en un concierto en una sala con el techo bajo, en uno de los muchos saltos de Pete éste acabó rompiendo la guitarra contra el techo. El público enloqueció en ese momento, por lo que tomó la costumbre de destrozar su guitarra al final de cada concierto. Lo cual, a su vez, también conectaba con la autodestructiva joventud mod. Para conocer más a fondo el movimiento mod, podéis consultar en la wikipedia… o ver la película "Quadrophenia", basada en el álbum de los Who del mismo título. Pero no es ése el disco que nos ocupa hoy, sino el debut de la banda.


En The Who Sings My Generation los Who fueron pioneros del uso de tanta distorsión en el sonido. Tanto fue así que el sello americano encargado de la distribución exigió otra copia de la cinta porque no sabían que la distorsión se había puesto a propósito. El rythm & blues predomina en la música del disco, que tiene también canciones muy pop. El soul aparece en las versiones I Don't Mind y Please Please Please, que palidecen al compararse a las diez canciones de Pete Townshend. La más clásica, por supuesto, la ya comentada My Generation, auténticamente bestial, con sus solos de bajo tan atípicos en 1965. Pero hay bastante más: La beateliana The Kids Are Alright; canciones pop con fabulosos estribillos como La La La Lies o Out In The Street; las más animadas It's Not True, Instant Party (Circles) y sobre todo A Legal Matter; canciones con el sello propio de los Who como Much Too Much o la misteriosa The Good's Gone; y el extraño instrumental The Ox, con un Keith Moon brutal... y bruto (The Ox era el apodo de John Entwistle). Todas las canciones demuestran la grandeza como compositor de Pete Townshend, canción por canción este disco es extraordinario; el genio de Pete continuaría con sus posteriores obras. Sin duda, The Who volverá a aparecer por aquí.

viernes, octubre 20, 2006

Moby Grape - Moby Grape (1967)


9+


"Moby Grape està executat immaculadament, amb un so net i cristal.lí, tallant i avassallador" (Pere Ferrando)

El debut homónimo de Moby Grape es perfecto para aquellos que disfruten del sonido de los 60 y que gusten de álbumes eclécticos. Moby Grape tiene un poco de folk, pop, blues y toques de rock & roll, country o gospel. Los cinco componentes componían y cantaban de maravilla, las harmonías de este disco igualan a las mejores de los Beatles, sin exagerar. Otra de las características del sonido de la banda fue la acertada (y bastante difícil) conjunción de las tres guitarras. Además, para haber cinco compositores distintos, el disco es bastante homogéneo en calidad.

Quizá el mejor compositor y miembro más afamado sea Skip Spence, que se encargó de la guitarra rítmica. Compuso dos canciones: Omaha, con sus pegadizos "Listen, my friends", su galopante ritmo y sus extraños sonidos de estudio; y la última canción del álbum, Indifference. Jerry Miller, guitarra solista, compuso él solo la perfecta mini-canción acústica Naked, If I Want To, que no llega ni al minuto de duración. Junto al batería Don Stevenson compuso otras cinco: La primera es Hey Grandma, himno del rock ácido californiano y paradigma de lo que nos espera en el disco, las voces destacan sobremanera aquí, al igual que la guitarra solista. Gran comienzo para el álbum, sin duda. También Ain't No Use, el tema más country. Muy buenas son las canciones acústicas de Miller-Stevenson, 8:05 y Someday, otra muestra del excelente nivel del álbum. Y Changes, otra canción enérgica, destaca por sus ácidas guitarras y sus breaks instrumentales, mini-jams.

Extrañamente a lo que uno pudiera pensar, los temas de los otros dos componentes están compuestos e interpretados de igual manera y la calidad permanece intacta. El bajista Bob Mosley nos ofrece Mr. Blues, como su título indica la canción más bluesera del álbum, Come In The Morning, con unas voces más estupendas de lo habitual, y Lazy Me. En las tres, Mosley está formidable como voz solista. Por último, el guitarra encargado de los arpegios Peter Lewis compone dos de las mejores canciones, bastante dispares entre sí: Fall On You, con su ritmo frenético; y la acústica y deliciosamente otoñal Sitting by the Window.

La banda tuvo una serie de pequeñas calamidades consecutivas que afectó a las ventas de su álbum debut y a su carrera. Su mánager, un personaje llamado Matthew Katz; y la compañía Columbia tuvieron mucho que ver. Maravillados ante la calidad del álbum, decidieron sacar 5 singles a la vez en lugar de uno, lo que propició la confusión de disc-jockeys y público, el cual desconfiaba de todo aquello que pareciera demasiado comercial. Muchos creyeron que eran una copia de los Monkees, cuando en realidad todos los miembros de Moby Grape componían, tocaban y cantaban. En la portada, Don Stevenson levantaba el dedo corazón de cara al público, cuando se dieron cuenta decidieron cambiar las copias por otras en las que el dedo se eliminaba. Además, tres de ellos fueron pillados con chicas menores de edad y denunciados por ello. Y por si fuera poco, eran aficionados a los escándalos y a la marihuana. Demasiada mala publicidad... una lástima. Eran realmente buenos.

viernes, septiembre 22, 2006

The Beatles - Help! (1965)


8+


"Un dels grans mèrits de Help!: Ser una deliciosa i petita col.lecció de belles i senzilles cançons" (Pere Ferrando)

Tras el incomprendido Beatles for Sale, donde la cantidad de versiones menoscabó la calidad del producto final; los Beatles comenzaron a preparar el proyecto que incluía su segunda película, y un nuevo álbum en el que incluir la banda sonora. La crítica se divide entre los que consideran a Help! un álbum más de lo que se conoce como "primera etapa" de su discografía, simplemente un compendio de canciones pop sin más intención; y los que lo consideran como un punto intermedio, como el primer álbum donde los Beatles van un poco más allá (en temática, intrumentación y composición en general), si no en la forma, sí en el fondo.

Ambas vertientes tienen razones de peso. Canciones como You're Gonna Lose That Girl, I Need You o Tell Me What You See podrían haber aparecido en cualquiera de los álbumes anteriores. Sin embargo, canciones como Ticket To Ride, You've Got To Hide Your Love Away y Yesterday no. Lo que sí es seguro es que los Beatles, poco a poco, se iban transformando. Se tomaron un respiro en cuanto a las giras. Empezaron a utilizar otros instrumentos (piano Steinway, piano eléctrico, y las cuerdas de Yesterday), dejaban las grabadoras encendidas mientras ensayaban, tomándose más tiempo para grabar (nada de grabar todo el álbum en un día, como el Please Please Me) y utilizaban efectos como el ADT, un doblaje artificial de la voz desarrollado por EMI.

Help! comienza con la canción homónima, una de las mejores de su carrera, que comienza de forma fulgurante con el estribillo. Lennon empezaba a crear letras más personales e intimistas, y este tema es un buen ejemplo. La canción fue acelerada por George Martin para que quedara más comercial. Este es un disco donde las armonías tienen un papel importante, y donde los Beatles utilizan varias veces la llamada-respuesta entre el cantante principal y los coros. Por ejemplo, en Help! o en la canción que sigue, The Night Before. Un tema delicioso de McCartney, en la que Lennon toca el piano eléctrico. You've Gote To Hide Your Love Away es otra letra personal de John, en esta ocasión referente a su mánager, Brian Epstein, quien supuestamente se había enamorado de él. La influencia de Dylan, que se nota en todo el disco, es especialmente destacable aquí. I Need You es la primera composición de Harrison de las dos. Poco a poco, sus canciones tomaban más importancia y se equiparaban más a las de la dupla Lennon-McCartney. Aunque ésta es una canción bastante sencilla, donde destaca únicamente el pedal utilizado por Harrison en su guitarra. Le siguen dos temas que suenan a Beatles primerizos, muy buenos ambos: Another Girl de Paul y You're Gonna Lose That Girl de John. Prefiero la segunda, quizá por la forma de cantar de Lennon, todo lo rabiosa que le permite la canción. Ticket To Ride es la última de las canciones que forman la banda sonora de la película, y es de lo mejor que habían hecho los Beatles hasta entonces. Genial la voz de Lennon, el riff (ya clásico) de Paul y el ritmo de Ringo con la batería.

La cara B del LP, es decir, las canciones que no entraron en la película, es bastante variado. La versión de la canción country Act Naturally, con la única intención de que Ringo cantara alguna canción, es la primera de esta cara. La siguiente es la acústica It's Only Love, de la cual Lennon siempre habló mal (quizá por la letra banal en una época en la que intentaba hablar de otros temas más trascendentes). You Like Me Too Much es la segunda de Harrison, destacable la aparición del piano Steinway tocado por Paul y George Martin. Tell Me What You See es la menos original de los temas originales del álbum, pero con buenas armonías. I've Just Seen a Face, un tema acústico bastante country donde Paul toca la guitarra a toda velocidad. Yesterday es el canción más controvertida de los Beatles, fue la primera vez que utilizaban un arreglo clásico (un cuarteto de cuerdas), cosa que repetirían a partir de entonces. La canción más versioneada de la historia. Pero, para acabar el disco, decidieron colocar una versión de Dizzy Miss Lizzy, recuperable solamente por la excelente interpretación de Lennon. Quizá lo hicieron para demostrar que seguían siendo un grupo de rock. No sería por mucho tiempo.

viernes, septiembre 01, 2006

Jeff Beck - Truth (1968)


9-


"La guitarra de Beck combina brutalitat sonora, destresa, imaginació i virtuosisme, mentre que la banda que l'acompanya es posa a la mateixa altura" (Pere Ferrando)

En la segunda mitad de la década de los 60, el grupo británico The Yardbirds (que ya tuvo en sus filas al mismísimo Eric Clapton) contó con dos guitarristas excepcionales: Jeff Beck y Jimmy Page. Ambos abandonaron la banda porque tenían proyectos más ambiciosos, y bastante parecidos entre sí. Beck lo hizo primero, y juntó a unos músicos que saltaron del anonimato a la fama tras el paso por el grupo: el teclista Nicky Hopkins, el bajista Ron Wood (posterior Rolling Stone) y el gran fichaje: el cantante Rod Stewart, con una voz única y singular para interpretar blues. Completó la formación el batería Mickey Waller.

Algunos pretenden comparar el blues-rock de Jeff Beck con el sorprendente debut de Led Zeppelin del año siguiente. Es cierto que Jeff Beck anticipa de forma clara muchas ideas que Page desarrolló más tarde allí. Es más, conociendo el historial de Led Zeppelin no nos extrañaría en absoluto que se las copiara sin remordimiento alguno. Sin embargo, a pesar de que el punto de partida de ambos es el mismo, el astuto mánager de Led Zeppelin, Peter Grant, supo orientarlos y destacar su faceta más vulgar y su sonido más pesado y contundente, lo que les catapultó al estrellato. Jeff Beck y su banda, ajenos a los trucos de márqueting, no llegaron tan lejos.

El álbum se inicia con una irreconocible versión del tema de los Yardbirds Shapes Of Things. Antes, había sido una canción pop. Aquí, se ralentiza para convertirse en un blues-rock atronador que muestra de lo que son capaces Beck y Stewart, con la guitarra y la voz; y lo que viene después. El original Let Me Love You es quizá la mejor canción el álbum, un tema un poco más blues con unos fraseos de Beck inolvidables. Incluye el efecto llamada-respuesta entre guitarra y voz que después también utilizaría Page en Led Zeppelin. Sólo estas dos canciones sirven para hacer de éste un álbum grandioso. Morning Dew deja a un lado la potencia rockera, para centrarse en la interpretación vocal de Rod Stewart (genial, como siempre) y la guitarra wah-wah de Jeff Beck, que compiten en protagonismo. You Shook Me, el famoso tema compuesto por Willie Dixon, es tocado de una forma más lenta y es el piano el instrumento principal; no obstante, la guitarra de Beck marca el ritmo con una distorsión, de nuevo, muy sucia.

El disco sigue con Ol' Man River, un blues interpretado de forma magistral por Stewart, y la canción tradicional Greensleves, que muestra a Beck tocando la acústica y nos ofrece un momento de reposo. Que termina con Rock My Plimsoul, donde vuelven los riffs potentes y extremadamente distorsionados y la potencia de Rod Stewart. En Beck's Bolero, que cuenta con la participación de Jimmy Page y Keith Moon (!), sobre el ritmo clásico del Bolero de Ravel, las guitarras de Beck y Page hacen de las suyas, pura potencia rockera y riffs salvajes, y la inconfundible batería "marca de la casa" de Keith Moon. Blues Deluxe es quizá el tema menos destacable del disco, pero que será disfrutada totalmente por aquellos que gusten del blues y en la que (otra vez) Rod Stewart se sale. Pero no acaba así el álbum, sino con otro blues-rock: I Ain't Superstitious, otro cover de Dixon en el que Beck nos intenta dejar con buen sabor de boca, con su brutal guitarra wah-wah, y auténtica potencia.

Tras Truth, el grupo publicó Beck-Ola, una continuación lógica de este primer álbum, pero aún más potente; tras la cual el grupo se separó, perdiendo la oportunidad de tocar en el festival de Woodstock del 69, y desperdiciando con ello una oportunidad de aumentar la poca fama que obtuvieron.

viernes, agosto 04, 2006

The Beatles - A Hard Day's Night (1964)


8+


En 1964, por si la Beatlemanía no se había extendido lo suficiente; los Beatles, imitando a Elvis, protagonizaron su primera película. La película, al igual que todo lo que hacían los Fab Four, tuvo un ingente éxito tanto de crítica como de público. Lo mejor de todo fue que, para la película, los Beatles tuvieron que poner la banda sonora. Y, ya que estaban, completar un álbum. Un álbum que resultó una ligera mejora sobre los excelentes álbumes anteriores.

Por primera y última vez en los álbumes de los Beatles, todos los temas llevan la firma Lennon-McCartney. Quizá por eso mismo la calidad de las canciones se mantiene alta de principio a fin. Es decir, incluso los peores temas del álbum, de haber pertenecido a otros artistas de la época, hubieran sido lanzados como singles. Lejos de la innovación y experimentación posterior, las canciones son temas pop de entre 1'47'' y 2'44''.

A Hard Day's Night fue una frase de Ringo, que se decidió que fuera el título de la película. Por eso, se les encargó a los Beatles que hicieran una canción con ese título. Lo hizo Lennon, hablando sobre volver a casa tras trabajar todo el día para poder complacer a su chica. Una de las mejores canciones de los Beatles, con sus inolvidables armonías y el extraño solo, sin olvidarnos del rabioso middle eight. I Should Have Known Better, otra excelente melodía en una de las últimas apariciones de la armónica de John. If I Fell es una canción acústica donde las voces de John y Paul (grabadas en un mismo micrófono) se complementan de forma genial. Tres enormes canciones que demuestran de lo que era capaz el genio de John. I'm Happy Just to Dance With You, que John escribió para que cantara George Harrison, completan el cuarteto de canciones compuestas por John que abren el álbum. Le sigue la acústica And I Love Her, typical McCartney, posteriormente nos regalaría otras joyas similares. Tell Me Why, una canción más animada cantada a tres voces, con el inconveniente de que en ocasiones hacen falsete y no se les entiende. Can't Buy Me Love, la última canción que aparece en la película (bueno, no es exactamente así, ya que repiten A Hard Day's Night) ha quedado como una de las canciones más representativas de los Beatles.

La cara B, formada por canciones que no aparecieron en la película, no es tan buena (lógico), pero aun así tiene algunos temas realmente destacables. Things We Said Today, otra acústica de McCartney; las 3 canciones que compuso en A Hard Day's Night están realmente a la misma altura que las 3 mejores de Lennon. I'll Be Back es otro tema acústico, donde destacan la melodía y las excelentes voces de Lennon y McCartney. I'll Cry Instead, un tema country; You Can't Do That, donde George toca su guitarra de 12 cuerdas; y los temas menos destacables Any Time At All y When I Get Home completan este excelente álbum, que hizo que la beatlemanía llegara a su pico más alto en cuanto a fervor popular (que no de crítica).

viernes, julio 14, 2006

Big Star - #1 Record (1972)


9+


"Clares influències de Beatles, Byrds i Beach Boys. Pop excel.lentment facturat. Múltiples melodies. Lletres d'innocent romanticisme. Dotze cançons d'alta qualitat" (Pere Ferrando)

En 1971; Chris Bell (guitarra) lideraba la banda Ice Water, que completaban Andy Hummel (bajo) y Jody Stephens (batería). Por aquel entonces Alex Chilton, tras la separación de los Box Tops, componía canciones folk a la espera de que alguna discográfica le diera otra oportunidad. Tras conocer a Bell, que trabajaba en los estudios Ardent, de Memphis; decidió unirse a la banda, a la que renombraron Big Star.

En 1972 se publicó #1 Record, producido por Bell. Un disco de pop de guitarras, con aquello que se conocería más tarde como power-pop (In The Street, Don't Lie To Me), canciones acústicas (Give Me Another Chance, Thirteen)... Destaca en todo momento la dualidad Bell-Chilton. El primero, más pendiente de lo "artístico", de hacer buenos arreglos y buenas voces. El segundo, cuya intención es no perder la inmediatez del rock. Esa dualidad, y la solidez de todos y cada uno de los temas, hacen de este álbum uno de los mejores de la década.

Feel, un blues-rock con armonías, potentes guitarras y que sorprende por sus arreglos de viento (en especial el saxo), comienza de forma potente el álbum. Le sigue The Ballad Of El Goodo, una buena balada, con estupendas voces en el estribillo. Vuelve otra vez la potencia con In The Street, que se construye sobre un riff creciente, donde vuelven a destacar las segundas voces; y con un solo de guitarra bastante largo. Thirteen es una buenísima balada, con una letra que obviaremos comentar, y un genial trabajo de la guitarra acústica (imposible no fijarse en el solo). Por cierto, que los Teenage Fan Club llamaron Thirteen a un álbum suyo debido a su admiración por Big Star. Don't Lie To Me es un pop-rock del estilo de los que se pondrían de moda a finales de los 70. Un poco genérico, pero tan potente como pretende. The India Song es una inocente balada psicodélica compuesta por el bajista Hummel. La temática recuerda a Our House, de Crosby, Stills, Nash & Young. When My Baby's Beside Me es otro power-pop, con un estribillo pegadizo que quizá se repite demasiado. My Life Is Right es uno de los mejores temas, ese especial contraste de las estrofas con el estribillo cargado de guitarras. A pesar del artificio, es una balada como las que siguen hasta el final del álbum. Give Me Another Chance cuenta con una estupenda melodía y unos arreglos de cuerda que aumentan de intensidad a lo largo de la canción. Try Again es una balada acústica, en la que lo más destacable es el solo de guitarra a dos voces. Watch The Sunrise, tras el sorpresivo inicio, es otra balada acústica, no tan buena como las dos anteriores, pero desde luego ningún bodrio. El álbum finaliza con la extraña ST 100/6, donde resaltan, de nuevo, las armonías.

Tras la publicación del álbum, Chris Bell dejó la banda, que se disolvió. Sin embargo, tras un encuentro en una convención; Chilton, Hummel y Stephens decidieron volver a formar Big Star. De la experiencia salió otro gran disco, Radio City. Pero de eso hablaremos otro día.

viernes, junio 30, 2006

miscelánea 1970: Deep Purple, Badfinger, The Guess Who

Deep Purple - Deep Purple In Rock

8+


Deep Purple, junto con Led Zeppelin y Black Sabbath, forman lo que se suele considerar el génesis del heavy metal; un género a veces excesivo. Hay más bandas que, antes que éstas, comenzaron a rockear más duro que otras bandas contemporáneas: Jeff Beck Group, MC5... y por supuesto Jimi Hendrix Experience. Tras unos cuantos discos de blues-rock, en Deep Purple In Rock el grupo se pone definitivamente duro, PESADO. Esto es rock pesado con mayúsculas. Ritmos trepidantes, riffs veloces y contundentes... Las canciones más conocidas del disco (y además las mejores) son Speed King, que nos muestra de manera clara lo que se nos va a venir encima después; Child Time, canción extra-larga con partes tranquilas al medio y con un crescendo final muy bien conseguido sobre todo gracias al cantante Ian Gillan; y el primer single que se extrajo del álbum, Black Night. Por último, es imprescindible mencionar la portada, acertada parodia de los cuatro presidentes del monte Rushmore.


Badfinger - No Dice

9-


Uno de los primeros fichajes de McCartney para el sello Apple. Sólo con esto uno ya puede saber qué influencias tiene esta interesante banda. En No Dice se nota la mano de Paul, detalles que recuerdan a los Hollies... Badfinger no inventa nada, pero muestra algo de lo que después se conocería como power-pop: Los enérgicos riffs de I Can't Take It, No Matter What, Better Days... Canciones que alternan con temas de rock más tradicionales (Love Me Do, Watford John), que forman el material menos interesante del álbum; y con estupendos medios tiempos, la balada estilo McCartney Midnight Caller, Believe Me (que recuerda a Oh Darling, del álbum de los Beatles Abbey Road), It Had To Be... Pero la mejor, sin duda, es Without You. Balada clásica donde las haya, la estupenda versión de Harry Nilsson la popularizaría en 1972. La de Mariah Carey es un insulto a la memoria del guitarrista Peter Ham y el bajista Thomas Evans, muertos por suicidio. La versión digital de No Dice ofrece 5 temas extra que, si bien no aportan ninguna canción excepcional, mantienen el sobresaliente nivel del álbum.


The Guess Who - American Woman

8+


Muy buen disco de rock clásico a cargo de los canadienses Guess Who. Blues-rock, a veces duro, riffs intensos; y también momentos acústicos. En ocasiones todo eso en la misma canción. Aparte de la famosa ("gracias" a la terrible versión de Lenny Kravitz) canción American Woman, tiene otras canciones muy buenas, si bien no tan memorables. Sobre todo las canciones siguientes a la pista titular: No Time, con buenas armonías; la acústica Talisman y la sorprendente No Sugar Tonight / New Mother Nature, dos canciones con los mismos acordes que suenan una seguida de la otra y acaban sonando juntas. Al estilo de la beatle I've Got A Feeling. Ésta suena realmente bien. Aunque la mejor, sin ninguna duda, es American Woman. Burton Cummings, el cantante, hace un gran trabajo, tanto en la parte acústica como cuando entran las guitarras y canta rabioso "American woman, get away from me". Impresionantes fraseos de guitarra, tanto la guitarra como la voz suenan bien crudas. La canción es un buen resumen del sonido del álbum.

viernes, mayo 26, 2006

Nick Drake - Five Leaves Left (1969)


10-


"El de Drake és un primer disc sensacional, construït amb meravelloses melodies sustentades per la seva acollidora i tranquil.la veu" (Pere Ferrando)

La discografía de Nick Drake es tremendamente emotiva. Su atormentada (y depresiva) vida tuvo un fiel reflejo en los temas que compuso. Siempre me ha gustado definir su música como otoñal. Componía las canciones él solo con su guitarra, y ciertamente ya eran muy buenas así. Sin embargo, en Five Leaves Left, los arreglos que su amigo de Cambridge, Robert Kirby, le dan un toque que hace especial el disco. Le dan la tensión o la tranquilidad necesarias en cada momento. No son exagerados, jamás tapan la voz de Nick y raramente lo hacen a su guitarra.

El álbum empieza con Time Has Told Me, una canción de ritmo lento, buen trabajo de guitarra y quizá la melodía más "comercial" de todas las que aparecen. River Man destaca por sus arreglos de cuerda, que van creciendo bajo la voz de Nick. Punteos acústicos en Three Hours, que mantienen la tensión durante los seis minutos. Excelente trabajo en la guitarra, que sin embargo no aparece en Way To Blue, sólo el arreglo de cuerdas acompaña a Nick. Day Is Done nos muestra otros arreglos hechos a la medida de la canción, para acompañar a Nick. Un ejemplo de la importancia de los arreglos en este disco. Cello Song, por ejemplo, sería un excelente tema acústico de no ser por la aparición del chelo en los trozos no cantados.

Thoughts Of Mary Jane es un punto y aparte en el álbum, puesto que es una canción completamente primaveral. Aparición estelar del piano en Man In A Shed, le salva así de ser uno de los puntos flojos del disco. Fruit Tree, quizá la más introspectiva de todas las canciones del álbum, y una de las mejores de su carrera. Excelente el oboe (o corno), y los crescendos de las cuerdas. En el último tema, Saturday Sun, vuelve a aparecer el piano; una canción que suena como un canto a la esperanza tras la tristeza que emanan las demás canciones.

Sin embargo, en Fruit Tree canta: "La fama es como un árbol frutal, así de inestable. No puede florecer hasta que su tronco está en el suelo. (...) A salvo en el útero de una noche eterna, descubres que la oscuridad puede dar la luz más brillante." Hay quien dice que quizá es una canción autobiográfica, que sabía que la fama que no alcanzó en vida la iba a alcanzar después de morir. Nunca se sabrá. Nick fue encontrado muerto en su habitación y el forense dictaminó suicidio por sobredosis de somníferos.

En resumen, Five Leaves Left es un disco de canciones acústicas con unos arreglos muy sobrios, que le dan a cada canción un toque distintivo que hace de éste un disco completamente redondo, bueno de principio a fin. Más información, lalunarosa.com.

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Hola. En este blog comentaré los discos rock que más me gustan, en especial de los 60; pero también de otras décadas, o novedades que me interesen. No dudéis en comentar cualquier cosa, la valoración de la música siempre es algo muy personal, así que cualquier opinión será escuchada. O no.